在人类历史上，艺术始终是随着社会的发展而发展的。艺术的发展并不完全是与社会的发展步调一致的，它还有自身的相对独立性，还要按照自身的发展规律去发展。也就是说，艺术有自己的传统，在其内容和形式等内在的结构上有其发展的历史继承性。这种继承性实际上是反映了不同时代人们对艺术的审美要求，也反映了人们审美观念的连续性，即每一时代的艺术都有其时代的特点，都要适应当代人的审美需要。而每一时代的艺术对于后来的艺术，又是一种既定的基础和存在的条件。在人们审美观念连续性的支配下，后一时代的艺术注定要在前一时代的基础上，无论是内容还是形式方面得以发展，否则由于不适应人们的审美要求和需要，必然会被否定和淘汰。可以说从古至今，各民族的艺术都是在继承前人优秀传统上发展下来的，当然这种继承是用当代人的审美眼光去粗取精，尽可能适应需要被延续下来的。

　　艺术的历史继承性，首先表现为对本民族艺术遗产的吸取和接受，以及对其他民族和国家优秀文化和艺术成果的吸纳;艺术的历史继承性，在艺术的形式与技巧、内容、审美观念和创作方法等方面均有突出的表现。

　　首先，艺术作品思想内容的继承。

　　前人在艺术作品中所表现出来的进步思想，在后人的艺术中都有所继承。如对祖国的热爱，对爱情的忠贞，对山河的赞美，对幸福的渴望，对不幸的同情，对残暴的愤慨，对正义的讴歌，对邪恶的鞭挞，对和平的追求等等。

　　其次，艺术作品形式的继承。

　　艺术作品的形式对内容具有相对独立性，因而继承关系表现得更明显突出。文艺复兴时期从乔托、波提切利直到达•芬奇、米开朗基罗、拉斐尔，他们在艺术形式上都主张平衡、对称、和谐、多样统一等，表明他们之间的相互继承关系。我国书法艺术从晋代的王羲之父子、唐代的颜、柳、欧到宋代的苏、黄、米、蔡四大家和元代的赵孟頫，他们对书法艺术形式的追求都是骨肉相称、动静相宜的用笔美，平衡对称、疏密相间的结构美，清风出袖、明月入怀的意境美，表明他们之间的相互继承关系。张大千曾说，他对从石涛开始上溯明、元、宋诸家的艺术形式的继承，“首先应从勾摹古人名迹人手，由临摹的功夫中方能熟悉勾勒线条，进而了解规矩法度”。

　　再次，艺术种类和艺术创作方法的继承。

　　拿艺术的种类来说，一个新的艺术种类或艺术品种的产生，都不是偶然的。它们都是在继承前人成果的基础上变通、发展的产物。侧如，我国的戏曲这种艺术形式，直到元代的杂剧，才可以说是趋向成熟。除了社会的原因之外，它是吸收了多种艺术形式才融合而成的。它的故事内容，是从唐代以来的传奇小说、话本小说中逐渐继承、吸收而来的;戏曲的体制，是继承了宋代以来的说唱诸宫调的乐曲组织和曲白结合的形式而发展起来的;唐代以来的舞蹈，宋代以来的傀儡戏、影戏，给戏曲中的舞蹈动作和脸谱以极大的影响，使戏曲中的舞蹈身段和扮相更加美化。这一切，经过长时期的吸收、继承、革新、创造，互相有机地融合起来，才逐渐地形成了元杂剧这种戏曲表演艺术。后来我国的戏曲，又是在继承元杂剧的基础上派生、革新和发展起来的。

　　创作方法的形成和发展过程，也是一个继承前人成果的过程。例如，在中国文学史上，从《诗经》中的《国风》，到唐代杜甫、自居易的诗歌，到明清的《水浒传》、《红楼梦》，一直到近现代如鲁迅、茅盾、老舍等人的作品，经过各个时代无数作家诗人的不断探索，才形成了一条现实主义创作方法的优良传统。而从古代的神话传说，到屈原的《离骚》，到李白的诗歌，到《西游记》、《牡丹亭》，直到毛泽东、郭沫若的一些作品，经过了无数作家、诗人的持续努力，也形成了一条积极浪漫主义创作方法的浩荡长河。

　　由此可见，艺术发展的过程就是一个不断除旧布新、推陈出新的过程。其间，继承和创新是紧紧连在一起的，没有继承，便不会有创新。在艺术发展中，继承是手段，创新是目的。

　　继承固然是艺术发展的重要环节，而创新却是艺术发展的关键，继承是为了更好地创新。创新是艺术发展的质的飞跃，没有创新就没有艺术的发展。每当一种艺术风格或题材、主题乃至创作方法达到高峰状态时，新的艺术潮流就在孕育，这是艺术发展的新陈代谢规律。人类艺术史正是艺术潮流不断更替、艺术风格不断创新的历史。

　　艺术的生命在于创造。如果在艺术领域中没有创新，没有发展，而总是陈陈相因，艺术就失去了存在的价值。但是创新是有条件的，是在继承传统的前提下的创新。继承和创新是紧密地联系在一起的，没有继承便不会有创新，但在创新中却都意味着对传统中某些旧的、过时的东西的突破和否定。即便是艺术的“民族形式”，也不能固定不变，也要随着社会的前进而变化。但这种变化并不是全盘否定的变化，而是万变不离其宗的变化。艺术发展的过程，也是不断继承和创新的过程，是一个既有继承传统又有否定和突破传统而创出新的艺术的过程，当然继承是创新的手段，创新是继承的目的。

　　创新，是在继承基础上的创新。为了创新，就要坚持批判的原则，对过去的文化遗产取其精华，去其糟粕。同时，又要坚持在艺术内容、艺术形式、艺术语言、艺术表现手法等方面的创造，不断适应新时代人们对于审美文化和艺术的需求。

　　要想在艺术上有所革新，有所创造，就需要艺术家有胆有识。既要敢于打破前人的框框，敢于标新立异，同时又要有知识，有眼光，善于把前人积累的知识“拿来”，烂熟于心，变成自己的营养。凭空创造，无异于“沙上建塔”，根本没有基础，结果只能是一无所获。

　　鲁迅先生在如何对待文艺遗产的继承与创新的问题上有过精辟的见解，这就是有名的“拿来主义”。他精辟地提出“总之，我们要拿来，我们要或使用，或存放，或毁灭……然而首先要这人沉着、勇猛有辨别、不自私。没有拿来的，人不能自成为新人。没有拿来的，文艺不能自成为新文艺。”即正确的态度应该是要对文艺遗产经过一番区别对待和改造制作的工夫，经过批判的吸收成为我们的新文艺。毛泽东在《新民主主义的文化》一文中对这一问题讲的更加透彻，他说：“我们必须尊重自己的历史，决不能割断历史。但是这种尊重，是给历史以一定的科学地位，是尊重历史的辩证法的发展，而不是颂古非今，不是赞扬任何封建的毒素，对于人民群众和青年学生，主要地不是引导他们向后看，而是要引导他们向前看。”为了我们今天的群众，对予文艺遗产，我们必须要坚持批判的原则。无批判的继承和只批判不继承，都是错误的态度，都是不符合广大人民利益，又是对艺术的创新不负责任的。

　　“天意君须会，人间要好诗”，艺术接受者无疑也是促进艺术创新的重要因素。他们永远希望在艺术作品中得到新鲜的审美感受，包括新的内容，新的美学形式。在西方戏剧史上，古典主义“三一律”的创作原则统治了漫长的时期，19世纪开始为浪漫主义打破，雨果的剧作《欧那尼》上演标志着浪漫主义思潮登上历史舞台，在当时，受到保守者的激烈反对，剧场几乎成为战场。但无论他们怎么反对，观众都接受了浪漫主义带来的激情和自由。作为创作者，不仅要掌握时代的脉搏，还应当倾听接受者的声音，满足他们求新求变的要求。

　　继承和创新是相联系的，继承过去优秀的文化艺术遗产可以帮助人们创新，而其中最值得汲取的正是在过去作品中体现的创新精神。今天的创新成果又会成为明天继承的对象，艺术就是在这个循环过程中不断地进步。

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